El homenaje de arte consiste en hablar del logotipo que encontramos al fondo del espacio, del que nunca se llegó a dar una gran explicación; y que también es arte porque al fin y al cabo, está formado de obras de arte.

      La realidad es el símbolo que debía representar a Universo de A fue elegido de forma indiscutible como la "a" que está dentro de una especie de espacio con más "as" y de hecho es la que se usa siempre cuando se firma en otro espacio pues es la que está en el perfil personal y que por tanto es la represetante y símbolo de todo el espacio.

       No obstante, cuando descubrí que además podía poner la imagen que quisiera y cambiar la que llevaba tanto tiempo que era una de la Gran Vía que ya carecía totalmente de sifnificado (consultar el artículo en A oficial "Y un día te levantas y descubres que todo ha cambiado"); por tanto se decidió poner algo representativo del espacio; lo más fácil hubiera sido coger la "a" que ya teníamos y estamparla sin más, pero yo quise algo más original; y fue así como cogí algunas de las otras "as" que también había elegido como oficiales a pesar de que fueran a tener un menor peso y de ese modo evitar que quedaran desplazadas para siempre y que al menos pudieran competir con la oficialísima aunque sólo fuera como fondo de el espacio.

      Y con esta idea, cogí todos los dibujos, los pegue en el paint (no soy ningún maestro del photoshop) y los ordené de esta forma hasta darles un tamaño adecuado; guardé la imagen y seguidamente la puse en el espacio, y así hoy en día podemos identificar fácilmente Universo de A porque al fondo todo está lleno de "as", arriba a la izquierda, la gran oficial, una "a" enorme dentro de un universo amarillo (como este); a la derecha en tonos azules una "a" medieval (que siempre fue mi segunda favorita) que representa el afecto y el amor por la historia y la cultura que tiene este espacio, por otra parte, el conjunto de los personajes que apreciamos que en aquel momento eran todos los estamentos simboliza el que todo el mndo puede acceder a Universo de A y dar su opinión.

     Para finalizar abajo del todo hay un mismo dibujo (no son dos "as" separadas) que es como se forma la letra "a" y que simboliza el como el espacio se va formando poco a poco.

     Como véis, el logotipo no ha sido creado con ninguna arbitrariedad y todo tiene su significado y su simbolismo.

     Para finalizar decir, que si queréis verlo mejor, entrad en la sección Películas (pero no en el botón naranja de las RSS) y como está tan llena, no se verá nada y podréis apreciar el bello símbolo de Universo de A al fondo que preside el espacio.

                              

 

     Estas son mis siguientes obras para agregar en mi museo personal (ya véis, como hace tiempo que no hago adquisiciones ahora hago un monton de una sóla vez); todos estos palacios están al servicio de la corona española (más datos en la sección Noticias y política, artículo sobre instituciones al servicio de la monarquía española); lo que impide que puedan ser palacios-museo totalmente como lo es por ejemplo el palacio de Versalles; pero si nos paramos a pensar, yo francamente prefiero un palacio en el que una monarquía celebra tradiciones de hace siglos y que aún tiene sus funciones como palacio "real", que un palacio muerto como el de Versalles en la que ya no queda ni un halo de lo que pasó, y toda su gloria monarquica se queda en menos que un simple recuerdo. Aunque también es verdad que si bien soy partidario de que se hagan estas magnificas ceremonias (y que dejen más margen de participación al pueblo -y que se retransmitan por televisión-, como en Reino Unido por ejemplo) también es verdad que creo que se debería de enseñar mucho más palacio del que se enseña en la mayoría de ellos (de hecho uno de mis sueños siempre ha sido, librarme de las barreras que imponen y abrir todas y cada una de las puertas del Palacio Real -por ejemplo- y descubrir de una en una todas esas habitaciones que hace siglos que nadie ve, tanto las más reales como las de los criados, la guardia, absolutamente todo; en fin, que pena que sea un sueño irrealizable).

     Por otra parte destacar que estos palacios en su momento cumplieron funciones muy importantes, puesto que hubo una época en que los monarcas españoles hacían una especie de "gira" por todos ellos, y así estaban en el ambiente adecuado cada época del año, puesto que para el otoño utilizaban el Escorial, para el invierno el Palacio Real, para la primavera Aranjuez y finalmente, para el verano La granja; es una maravillosa tradición que se debería recuperar hoy en día (además, así a lo mejor, cuando no estuvieran en eses palacios abrirían más salas), puesto que daba a ver la grandeza de nuestro país.

     Por otra parte me alegro de meter el noble arte de la arquitectura en un artículo tan completo, puesto que me gusta más que la escultura y la pintura (a pesar de que la primera obra de mi museo fuera una escultura) , tal vez porque siempre me ha parecido más util y monumental a la hora de enseñar o demostrar algo.

     Bueno, los Palacios reales que adquiero para mostrar en mi museo personal son:

-El Palacio Real (o de Oriente):

 

     La verdad es que siempre me he sentido fascinado por este edificio, y siempre que paso por cerca de allí o lo veo, no puedo evitar quedarme pasmado con su magnificencia, su grandeza y su belleza absoluta; me pasó la primera vez que lo vi, y aún hoy sigo teniendo esa misma sensación cada vez que lo veo en directo (¡e incluso también con algunas fotos!).

     Por otra parte es asombroso porque parece cambiar de color según el tiempo: si hace sol brilla blanco como si estuviera hecho de marmol y marfil, si está nublado adopta los tonos gris y blanco, en cambio si llueve se vuelve totalmente gris, sorprendente vamos.

    No obstante, todo lo maravilloso que tiene por fuera, lo pierde por dentro; pues viendo algo tan increíble las expectativas luego son altísimas, y no las acaba de cumplir, tal vez por la oscuridad absoluta (creo que es por cuestiones de conservación) que hay dentro, ya que las ventanas están cerradas a cal y canto, y la única iluminación que hay es la de una luz de lo más tenue que casi no te deja ver ni el final de las salas, lo que es una pena, porque vistas con las ventanas abiertas ganan mucho (sólo hay que ver cuando viene el Rey que lo abren todo -por ejemplo después de la pascua militar, que siempre hay un discurso en el salón del trono- y por televisión podemos apreciar su verdadera magnificencia).

 

-Palacio y monasterio de S. Lorenzo del Escorial:

 

el de sus padres, Carlos I e Isabel de Portugal, y el de sus familiares y sucesores, donde edificó una gran basílica y fundó un monasterio. Fijó el emplazamiento del conjunto a finales de 1562, colocándose la última piedra en 1584, según proyectos de Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera. Este último construyó también las dos Casas de Oficios, frente a la fachada norte del Monasterio, y su continuador, Francisco de Mora, la Casa de la Compaña. En la basílica se conservan dos grandes cenotafios: el del fundador, Felipe II, y el de Carlos I, con sus respectivas familias, a uno y otro lado del altar mayor. Las esculturas orantes en bronce dorado son, como las del retablo, de Pompeyo Leoni

 

 

     Algunos hablan de él como la octava maravilla del mundo, y

    La verdad es que es precioso, su tono amarillento-dorado le da una belleza muy especial. Por dentro encontramos además "varios palacios" pues hay varias zonas lo cual hace que podamos ver la evolución del arte de una época a otra, ya sea con el palacio de los Austrias o el de los Borbones; si a eso le sumamos las casitas del Príncipe y del Infante, tenemos en este conjunto un completo compendio de historia del arte desde el renacimiento hasta el neoclasicismo.

     Eso sin nombrar sus extensos y pacíficos terrenos, ¡como para no querer vivir aquí!

 

-Palacio de Aranjuez:

 

Situado entre los ríos Tajo y Jarama, fue utilizado ya como residencia real en época de los Reyes Católicos.

Felipe II inició el palacio con los mismos arquitectos de El Escorial, Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, terminándose en el reinado de Fernando VI, con la incorporación de dos alas en tiempos de Carlos III.

La actual decoración del palacio recoge sobre todo aportaciones del siglo XVIII, entre las que destacan el Gabinete de Porcelana y el Salón de Espejos.

En las dependencias de la planta baja se encuentra el "Museo de la vida en Palacio" con curiosas piezas sobre la vida cotidiana en las Residencias Reales.

     Este palacio es todo lo contrario que el Palacio Real, por fuera es una ruina, casi parece una fábrica de un extraño color anaranjado, en cambio por dentro es deslumbrante, una verdadera maravilla que no dejará de sorprendernos sala tras sala.

    Lo más bonito es el museo de la vida en Palacio y naturalmente los jardines a los que joaquín Rodrigo les dedicó su obra "noches en los jardines de Aranjuez", así que imaginad como son. Además, allí está el Museo de Faluas Reales (los grandes barcos que se usaban para las fiestas) y la Casita del labrador (parecida a las que hay en el Escorial). 

 

-Palacio de La granja de S. Ildefonso:

 

 

     Si Francia tiene un Versalles, nosotros (ya habréis observado) tenemos cuatro, y eso sólo contando los de jardines esplendidos. La granja vuelve a cumplir este requisito donde además del hermoso palacio por dentro encontraréis las magníficas fuentes que se ponen en funcionamiento en verano, y un maravilloso laberinto, cosa que a mi me encanta; de hecho una de las veces que fui, llegamos tarde, relativamente cerca del cierre de los jardines, y entonces nos metimos en el laberinto porque yo insisti, además competíamos a ver quien salía antes; y al principio me hacía mucha gracia, "jajaja, el laberinto, juejuejue", pero de repente esas paredes vegetales el doble de altas que yo empezaron a angustiarme profundamente porque no podría ver más que lo que tenía en frente, lo cual no era una gran orientación que digamos, con lo que empecé a desear salir, naturalmente no iba a preguntar a quien viera (además de que no hacía otra cosa que encontrar a unas niñas que estaban tan perdidas como yo), tenía que salir por mis meritos; pero después de dar vueltas y vueltas y llegar al mismo sitio, y de que me surgieran pensamientos como "Dios, los jardines van a cerrar, ¿y si me quedo atrapado en el laberinto?, ¿y si los de Patrimonio me dejan encerrado aquí o no saben como sacarme? ¡socorro! ¡¡¡quiero salir!!!"  si a eso sumamos lo que me costó llegar al centro cerca del cual estaba la salida, empecé a cambiar de idea acerca de si preguntar o no, sucumbí ante esa idea y pregunté a un señor, que venía a avisar a sus acompañantes (que estaban Dios sabe donde) de donde estaba la salida (aunque no se movía del camino correcto, no, el no se volvía a perder). Y salí, y para sorpresa mía, todos habían hecho trampas y habían preguntado donde estaba la salida, incluidas las niñas que encontré una y otra vez en el laberinto, con lo cual todos habían salido antes que yo. 

 

-Palacio de Riofrío:

 

 

    Segovia se ha llevado dos de los más hermosos palacios de Patrimonio nacional, casi gana a Madrid de hecho. Este palacio está casi perdido, no hay transporte hacia él y la única manera de llegar es sabiendo que existe y en coche; tiene un encanto especial porque es como de un color rosado que se ve muy bien a distancia; por dentro tampoco está nada mal, y el bosque que lo rodea está lleno de animales como ardillas ciervos y demás.

 

-Palacio del Pardo:

 

 

    La verdad es que no me entusiasma mucho este Palacio, lo pongo más por haberlo visitado que por otra cosa, es bastante pequeño (habitaciones incluídas) pero lleno de magníficos tapices. Por fuera es bastante bonito pero sus jardines no son ninguna maravilla.

    Ahí se hospedan jefes de estado extranjeros y tuvo lugar la cena previa a a la Boda Real.

 

     Y ahora la pregunta clave, ¿que haría si efectivamente fuesen mios?, supongo que recuperaría lo de la gira por los palacios (si porque el barroco cansa visualmente, así luego iría al escorial y descansaría con el renacimiento); y supongo que los más pequeños los utilizaría para llevar una vida más intima. Sin duda sería una vida de lo más palaciega y rodeado de arte y belleza, ¿se puede aspirar a más?.

La venganza de un artista

     Lo primero que diré, es que si estáis leyendo en el blog, es decir, en la página principal, os recomiendo que vayáis a la sección Arte para poder ver la obra completa, ya que el blog siempre corta las imagenes.                                                                                    

     Bueno pues este es el primero de los GC (los grandes comentarios, para más información ver en la sección A oficial, el artículo con ese mismo nombre) que es el análisis muy extenso y completo de esta obra de Botticelli; de hecho, si necesitáis una guía para hacer un comentario de arte o el análisis de una obra, esta podría ser una buena plantilla, en cualquier caso, los requisitos para que cualquiera de ellos estén bien son poner los siguientes elementos: datos formales (nombre de la obra, del artista, tamaño, tecnica... y todos los datos de la obra posibles), contexto histórico, contexto artístico y por último análisis formal y simbólico de la obra (vamos, lo que vemos y lo que quiere decir o expresar). De todos modos, dejando de lado esto, este análisis se ha puesto aquí para que todo el mundo que quiera saber o conocer más sobre esta obra pueda hacerlo, por lo cual, dejandose de preambulos, leamos el  GC:  

      La obra elegida es pertenece a la escuela italiana florentina y es del denominado quattrocento, es decir, el siglo XV y por tanto el estilo sería ya el renacimiento, concretamente, este temple sobre tabla cuyas medidas son 62 por 91 centímetros, fue realizado en el año 1495. Actualmente se exhibe en la Galería de los Uffici, Florencia (Italia).

      Fue realizada en una época en que la península itálica estaba dividida en numerosos estados y ciudades independientes de los cuales la república de Venecia, el ducado de Milán y sobre todo la república de Florencia son las grandes potencias del momento. Se podría destacar también a los estados pontificios o el reino de Nápoles; pero el primero hasta la vuelta del Papa de Avignon y la superación de la crisis derivada del cisma no conseguirá la importancia que si tendrá en el siglo siguiente donde incluso superará a los grandes estados del quattrocento en todos los ámbitos; y en el caso del segundo, desde el comienzo de este siglo será centro de disputa entre aragoneses y franceses hasta 1442, momento en que queda definitivamente anexionado a la corona de Aragón.

      He destacado Florencia, no solamente porque es el lugar donde Botticelli trabaja durante una buena parte de su vida, sino porque es en esta época cuando se convierte en el gran centro artístico y donde van a parar las principales novedades retóricas y estilísticas del momento; pero esto no se explicaría sin conocer su fuerza comercial derivada de la producción textil de seda, que provoca el crecimiento de una poderosa banca y una fuerte burguesía, aunque por supuesto se mantiene una aristocracia comercial y guerrera que no tardará en tomar las riendas de la ciudad desde el siglo XIV creando con ello un sistema político oligárquico que provocará que una familia monopolice la Signoria: los Médicis.

      Mientras en el resto de Europa (exceptuando Flandes, quizás el único lugar equiparable con lo que se estaba haciendo en los estados italianos, ya que gozaba de unas condiciones parecidas) continúa sumido en un mundo medieval en el que la nobleza rentista mantiene la preeminencia socioeconómica, aunque empieza a aparecer y destacar en las ciudades la burguesía.

      Pero una de las cosas más destacables del renacimiento en la península itálica es que la consideración social del artista cambia radicalmente, del simple artesano medieval pasa a ser un profesional liberal, aunque también es importante decir  que es en ese momento cuando no sólo el clero es un cliente importante, sino también esos poderosos nobles de las ciudades además de la enriquecida burguesía que se dan cuenta de que (especialmente los gobernantes) el poder no puede fundamentarse sólo en las armas, sino que se debe alcanzar una superioridad intelectual y cultural, conforme al modelo ya establecido por El principe de Maquiavelo o El cortesano de Castiglione; así los modos de vida se refinan y palacios y villas decorados magníficamente, con pinturas del dueño y de su familia se convierten en objeto de demanda hasta el punto de que el coleccionismo se convierte en una afición importante hasta el punto de que aparecerá una nueva figura en el mundo del arte: el marchante que se convertirán en los responsables, en buena medida, de la amplia exportación de las piezas italianas y por tanto del nuevo estilo.

      Así los clientes serán príncipes, ricos burgueses, cardenales o el Papa que se convertirán en mecenas alrededor de los que se reunirán grandes artistas, filósofos, literatos; con lo que conseguían el ya nombrado respaldo cultural con el que refrendar su status privilegiado, pero la corte más importante en el siglo XV, sobre todo en sus finales (época en la que Botticelli trabajó allí) fue la de los Médicis, en Florencia.

      La familia de los Médicis se formó en la Florencia del siglo XIV y desde entonces hasta el siglo XVIII, los cabezas de familia ostentaron el poder gubernamental de la ciudad (con algunos breves e intermitentes lapsos, durante los cuales, eran despojados de una buena parte de sus colecciones de arte que más tarde solían recuperar) y lograron unirse a familias reales de Francia e Inglaterra, además de que tres Papas también pertenecieron a esta dinastía. Su tradición coleccionista viene desde uno de sus primeros miembros, Giovanni di Bici fundador de su prospera banca y mecenas de Donatello, a él le sucedieron varios ilustres descendientes como Cosme el Viejo (que convirtió a Florencia en la capital del humanismo) y naturalmente Lorenzo el magnifico. Como curiosidad es interesante decir que también fue esta familia (aunque más adelante ya en el siglo XVI, con Cosme I) la que fundó el museo de la Galería de los Uffici; donde actualmente se expone además de la obra que se va tratar, otras de las más importantes del pintor, de hecho, actualmente tiene dedicada una sala exclusivamente para él; y también, que su último miembro Anna Maria Luisa de Médici, regaló toda la colección a la ciudad.

      En la época de Botticelli el gobernante de Florencia fue el llamado Lorenzo el magnifico que se convirtió en un importante mecenas que obtuvo la aprobación del pueblo de Florencia, ciudad que supo gobernar al tener buenas aptitudes diplomáticas que siempre supo utilizar; en cambio, a pesar de su condición de banquero, desatendió los negocios familiares, y durante su gobierno el monje Savonarola comienza a predicar contra los medicis y su forma de gobierno, lo que influirá mucho en la ciudad, no sólo en el mismo momento sino también posteriormente (de hecho su hijo Pedro II será expulsado). También tuvo mucha importancia para el propio Botticelli, que guiado por su hermano Simón, acabará creyendo en Savonarola hasta el punto de quemar algunas de sus obras, considerando que habían sido inspiradas por el diablo y a cambiar radicalmente su forma de concebir el arte, pasando de un estilo neoplatónico a otro gótico-medieval.

     Hablamos así, de un artista cuyo verdadero nombre era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi pero que curiosamente, el apodo de su hermano obeso (Botticelli significa “tonelete”) se extendió a toda la familia. Nace en Florencia entre 1444 y 1445 y a pesar de que primero se interesará por la orfebrería, cambia de opinión y entra en el taller del afamado Fra Filippo Lippi, acabado su aprendizaje, crea un estudio.

Pero será en 1475 cuando se inicia la larga y fructífera relación con los Médicis que le llevará a recibir encargos de las familias más importantes y prestigiosas de Florencia haciendo algunas de sus obras más importantes y conocidas como El nacimiento de Venus o La primavera, e incluso viajará a Pisa y a Roma donde pintará a instancias el papa Sixto IV para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina junto a Ghirlandaio, Perugino, Pinturicchio o Cosimo Rosselli dada su importancia en el momento. Con la ya nombrada influencia de Savonarola y la muerte de Lorenzo el magnifico, la expulsión de los Medici es inmediata y comienza el gobierno del monje que organiza las “hogueras de las vanidades” donde se queman objetos de lujo, entre ellos algunas obras de Botticelli, (es en estes momentos cuando Botticelli realiza La calumnia en la que se aprecian ciertos cambios frente a sus anteriores obras); este nuevo sistema no dura mucho pues poco más de un año después Savonarola es acusado de herejía y quemado en la hoguera, lo que afectará mucho a Botticelli que sigue abandonando totalmente sus planteamientos neoplatónicos y “medializa” totalmente su arte como demuestra claramente en la Natividad de 1500.

      Ya se han hecho ciertos comentarios acerca de la teoría del arte del momento, pero no se ha profundizado en el tema, no obstante, antes de entrar en ello, creo que es interesante conocer su evolución, pues desde la época anterior, se pasa de una forma de ver el arte totalmente distinta; así, en la edad Media la teología predominaba e incluso los teóricos decían que las artes debían someterse a las directrices eclesiásticas, por lo tanto, el arte en esta época era principalmente religioso y los que decidían lo que se debía representar eran los abades de los monasterios, pero con la aparición de las universidades la cosa empieza a cambiar, pues estas aseguran que el hombre se puede y de hecho, se debe salvar a través del conocimiento, no obstante debemos a los monasterios el que se haya salvado la cultura clásica.

      Es destacable que en este momento el artista era un simple artesano que se movía en el marco de los gremios.

      Pero todo esto cambia radicalmente en el renacimiento pues la literatura teórica e histórica acentuó que la misión del arte era la imitación de la realidad, (uno de los grandes enfrentamientos durante la historia del arte siempre fue si imitar a la naturaleza o no y en que grado, y en la época anterior no era lo más importante hacerlo) así la obra de arte más digna de elogio será aquella con más parecido con la cosa reproducida, aunque siempre habrá artistas que quieran mejorarla.

     Es también importante destacar que el termino “renacimiento” hace referencia a la recuperación de los ideales de la antigüedad clásica, eso sí con una reinterpretación conforme a los presupuestos cristianos y sociológicos del siglo XV. Pero todo esto sólo puede ser explicado si lo relacionamos con el humanismo, así se pasa del teocentrismo del medievo a la reafirmación del ser humano como individuo con capacidad de decisión y de control sobre la naturaleza, claro está, sin que por eso se deje de reconocer a Dios como sumo creador; y por supuesto, con el hombre también se dignifica su producción intelectual y las artes y las ciencias gozarán de un gran prestigio en el renacimiento (a lo que ayudará muy positivamente el invento de la imprenta), es la época del antropocentrismo.

     Se toma como base el método empírico para adquirir conocimientos y el arte acabará reflejándolos, de modo que se acaban combinando los principios más racionalistas con el idealismo basado en los principios de proporción, simetría o tridimensionalidad, esto llevará a que en las obras de arte se quiera alcanzar un ideal supremo de belleza de manera que tanto los sentidos como el intelecto obtuviesen el máximo placer al contemplarla; observamos de esta manera que el arte deja de estar al servicio de la fe como en la anterior época para restaurar la concepción de la antigüedad clásica acerca de un arte realizado desde y para el ser humano pues está realizado a su medida.

      Otro detalle en el que se diferencia de la época medieval es que se modifica la forma de representar el espacio y el tiempo, así la representación del espacio se hará con la perspectiva y el tiempo será único (no como en la anterior edad, en la que se representaban distintos tiempos) de ese modo habrá siempre un tiempo y un espacio. Es importante destacar la perspectiva pues se pretende reflejar la realidad tal y como la vemos, así aunque una pintura sea un espacio de dos dimensiones, decide recurrir al engaño óptico denominado como pirámide visual la que termina en un punto llamado punto de fuga (que generalmente está en el centro), también ven importante donde colocar los personajes (cuanto más lejos del punto de fuga, más grandes; cuanto más cerca, mas pequeños). Otra cosa que intuyen es que hay una atmósfera, ya que el ojo no percibe perfectamente las figuras, así difuminan la imagen cuanto más lejos está. En general también adoptaron el concepto del equilibrio, la tranquilidad y el sosiego dentro de la composición, no obstante podemos exceptuar al artista del que trata este trabajo puesto que en sus obras siempre hay un movimiento continuo, de hecho en muchos de sus cuadros aunque algunas figuras aparenten estáticas, siempre están moviendo un pie, o algo que indique algún tipo de acción.

      Por otra parte los artistas comienzan a investigar la naturaleza y el cuerpo humano y se convierten en personas polifacéticas que saben y conocen de todo y que intentan dominar las mayores disciplinas posibles.

      Uno de los más importantes teóricos de la época fue León Baptista Alberti pues será uno de los que mejor plasme las ideas del renacimiento, lo cual hará en 3 tratados: De re aedificatoria, De pittura y De statua. Otro importante teórico fue Vitruvio.

      La pintura será preferida por muchas artistas e intentarán representar el mundo exterior de acuerdo con los principios de la razón humana y de la visión que se tiene del hombre del renacimiento, así aunque no se abandona lo espiritual se ve desde el punto de vista de la razón.

      Así los artistas se sienten orgullosos de sus métodos científicos y luchan por ser reconocidos por encima de los artesanos y los criados, en el caso de que trabajen para una familia (curiosamente en Flandes los pintores solían tener una relación lineal con sus clientes pues eran burgueses y por tanto estaban en la misma categoría social). También es destacable que el artista tendrá cierta libertad de ejecución, pues solamente le dicen la idea de lo que tiene que representar; lo cual llevará en algunos casos a que tengan que rehacer el cuadro o incluso a acabar en los tribunales pues el encargante se niega a pagar alegando que eso no era lo que él quería aunque artista asegure que el representó lo que se le pidió (sin ir más lejos, El Greco se pasó una buena parte de su vida en los tribunales).

      Pero las ideas que primarán en este momento, especialmente en Florencia y bajo la protección de los Médicis, son las neoplatónicas, que recogen los pensamientos de Platón y los adaptan al cristianismo, así muchos artistas de esta época no se entienden sin estas ideas (entre ellos, naturalmente, Botticelli; otro ejemplo sería Miguel Ángel también); que son expresadas a través de alegorías y símbolos. El neoplatonismo estuvo encabezado por el filósofo Marsilio Ficino, primer traductor y gran comentarista de la obra de Platón y que en el año de 1462 fue puesto a la cabeza de la Academia Florentina inaugurada por Cosme de Médici hacia 1442, con la finalidad de leer los diálogos de Platón y seguir su doctrina, este filosofo abogaba en su obra Theología Platónica (escrita en dieciocho volúmenes), por una armonía entre el cristianismo y el platonismo, que en gran medida fue la base de las creaciones de Botticelli y de casi todos los pintores, escultores y artistas del lugar (de hecho casi no quedó otra opción, e incluso Leonardo da Vinci, que nunca le gustó el neoplatonismo “huyó” de Florencia porque no quería saber nada del tema).

      Pero volviendo a Botticelli, podemos apreciar que el protegido de Cosme el Viejo y de su nieto Lorenzo, encarna al pintor filósofo y poeta, como demuestran una gran parte de sus obras claramente vinculadas a la filosofía neoplatónica que el ya nombrado Marsilio Ficino o Pico de la Mirandola ponían en boga en ese momento.

      No obstante la obra que se analiza se escapa en parte de todos esos preceptos que dominaron la vida del pintor durante una buena parte de su existencia puesto que fue realizada en la época en la que Gerolamo Savonarola que condenaba todo aquello que podía resultar sensual y atemorizaba a la población florentina con sus profecías sobre la proximidad del fin del mundo. Ya dijimos que estas ideas influyeron a Botticelli, lo que provocó que sus obras adopten un tono más sobrio y moderado respecto a las anteriores, pero sólo será el comienzo de uno de los cambios más radicales que se han dado en toda la historia del arte.

      Fue realizada al temple, técnica que consiste en diluir los productos en agua y en aglutinante como cera, cola, huevo, goma, látex…etc, el soporte que se puede utilizar puede ser piedra metal tela o papel; además el medio es muy versátil, de hecho, mucho más que los óleos, donde hay que pintar en graso sobre magro, es decir, hay que añadir más aceite a cada capa de pintura para impedir que las capas inferiores se agrieten. Con en el temple es posible trabajar en graso sobre magro o en magro sobre graso. La principal diferencia entre el, temple y los óleos es que, para obtener los mejores resultados, el pintor al temple debe hacer sus pinturas con huevos frescos, agua y pigmento seco, pero no existe ningún misterio en ello, y de hecho es más sencillo hacer pinturas con temple que con otros medios; por otra parte, su periodo de máximo empleo es entre el s XV y el XVI.

      Se trata, así pues, de una obra profana y alegórica, no obstante, tiene muchas interpretaciones a todos los niveles, tanto en el porque, para que y para quien se hizo, como en el significado en sí, en el que hay varias variantes de que personaje es que personaje…etc, no obstante, en general, el significado del cuadro está claro: la calumnia es muy peligrosa pues puede condenar a un inocente.

      El primer enigma acerca del cuadro es para quien y porque se hizo, acerca de lo cual hay varias versiones; la más extendida afirma que fue realizado para el banquero florentino Antonio Segni, que la puso en la casa de su hijo Fabio (probablemente con fines educativos), más tarde pasaría al palacio Pitti y finalmente a los Uficci; otra asegura que fue realizada para reivindicar la figura de Savonarola (esta teoría es de Landsberger);y finalmente otra teoría afirma que es un cuadro de autodefensa puesto que Botticelli fue calumniado por determinados personajes de la ciudad ante Lorenzo el magnifico y a causa de esto pinta el cuadro y se lo regala a un amigo de Roma para dejar constancia del hecho, no sería así tanto una representación mitológica sino más bien una enseñanza de lo mala que es la calumnia; y finalmente, otra que afirma que fue hecha para ilustrar a Pedro de Medicis que tenía un carácter débil y que era especialmente influible.

      Incluso se dice que en el marco original estaban escritos los versos “Indicio quemquam ne falso laedere tentent // terrarum reges parva tabella monet // Huic similem Aegypti regi donavit Apelles: // rex fuit et dignus munere, munus eo”.

      Otra duda que surge al ver el cuadro es si se basó en el texto de Luciano o en el de Alberti (aunque hay un casi total consenso acerca de que fue en el del primero, que es más rico en detalles, e incluso se dice que Botticelli estaba familiarizado con los textos clásicos  antes de que en 1496 se publicaran los de ese autor, pues algunos afirman que tenía acceso a códices manuscritos), el tema es tratado por Apeles (de hecho el nombre completo del cuadro es La calumnia de Apeles) como venganza por las mentiras contadas al rey Tolomeo Fidelfo por su rival Antifilo; este tema, no obstante, cuando lo recoge Botticelli, no es novedoso, pues ya se había representado varias veces en el siglo XV.

      Pasando a lo que se representa en el cuadro, podemos ver como a la derecha del todo, sentado en un trono, está el rey Midas (algunos pretendieron ver en ese personaje a Cosme de Medici) que observamos que lleva orejas de asno, porque es un mal juez y escucha lo que no debe escuchar de dos figuras femeninas que le hablan al oído susurrándole malos consejos y son la ignorancia y la sospecha; al rey le tiende la mano (e incluso le ciega, si nos fijamos va directamente a los ojos) la envidia/odio (ya he comentado que en algunos personajes, no se alcanza un total acuerdo de lo que representan) vestido de harapos, que guía a uno de los personajes principales de la composición: la calumnia, vestida de azul y blanco, que guía con una antorcha y que tira sin piedad del calumniado que ruega el fin de la situación ; la acicalan las figuras de la insidia/envidia y el fraude/estafa, que peinan con cinta blanca los cabellos de la calumnia, así esas mujeres de aspecto dulce y amable esconden un alma perversa capaz de destrozar al pobre inocente al que arrastran.

      Aparece finalmente vestida de negro la penitencia que es la única figura del cuadro que mira hacia la verdad (de hecho, el resto está de espaldas a ella), último personaje de la composición (que recuerda a las Venus púdicas y en especial a la de El nacimiento de Venus), que se muestra distante al caos que se desarrolla junto a ella y que parece invocar a la justicia con su gesto, es destacable que aparece desnuda porque no tiene nada que ocultar, y por tanto aparece desnuda y sin ropajes que puedan interferir en su pureza.

      Podemos observar que las figuras son muy lineales y están realizadas con un delicado trazo de dibujo que les da un carácter muy escultórico; por otra parte, sus gestos y los pliegues ondulantes de sus vestidos crean una sensación de movimiento, lo que aumenta el dramatismo.

      Pero dejando de lado a los personajes, también es importante hablar del espacio donde se mueven que como pronto se verá, está lleno de otras representaciones “escondidas” en un espacio casi teatral y abierto que representa la estancia de un palacio renacentista repleto de esculturas enmarcadas en hornacinas clásicas, bajo relieves dorados y con decorativas escenas mitológicas presentadas sobre los frisos, zócalos y casetones de las bóvedas que representan escenas clásicas, cristianas y de obras de Bocaccio; a continuación paso a comentar algunas de ellas, que numeraré para que se pueda seguir cual es cual en la imagen que sigue a esta descripción, no obstante también advertir que como en lo anterior, en algunos hay más de una interpretación:

1 tres episodios del cuento de Nastagio degli Onesti

2 Centauromaquia

3 Hercules y Licas

4 Apolo y Dafne

5 Justicia de Trajano

6 Baco encuentra a Ariadna/ Marte y Venus

7 David/ Teseo

8 David y Goliat

9 Hechos de Mucio Scevola

10 San Jorge mata al dragón

11 Juicio de París

12 Amorcillos con las armas de Marte y un León

13 San Jorge/ Marte en forma de Pippo Spano según el fresco de Andrea del Catagno en Santa Apolonia de Florencia/ escultura de guerrero que guarda similitudes con alguna obra de Donatello

14 Caída de los Titanes

15 Centauromaquia

16 Mito de Prometeo

17 Judit introduce en un saco la cabeza de Holofermes

18 Judit

19 Regreso de Judit a Betulia

20 La familia del centauro, según una pintura de Zeuxis descrita por Luciano

21 Júpiter y Antíope

22 Minerva con la cabeza de la Gorgona

      Finalmente decir que es posible que esta adornadísima arquitectura refleje algún ambiente humanista, recordando aquellas pinturas enmarcadas en molduras de nogal “con numerosas figuras vivísimas y bellas” según la descripción de Vassari; no obstante también hay la teoría de que todas o algunas de estas historias sean de obras previamente realizadas por el artista o por su taller, lo cual explicaría la yuxtaposición de temas sacados de la antigüedad clásica, el viejo testamento y de Bocaccio.

      En el renacimiento aparecieron los humanistas, que opinaban (entre otras muchas y muy variadas cosas) que el hombre podía mejorar a través del arte, y que si estaba rodeado de belleza era imposible que no fuera puro y bueno (de hecho, uno de los grandes lemas de esta nueva sociedad; al contrario que en la época anterior, la edad media; era que el hombre no sólo debía salvarse a través de la fé, sino también a través del conocimiento, de la sabiduría, lo cual tiene importancia porque se abandona el teocentrismo -Dios como centro de todo- para pasar al antropocentrismo en el que el hombre es el centro del mundo y por tanto algo importante) y que por tanto el mundo sería mejor también (por eso la educación también era un factor importante a tener en cuenta).

      Desde que conoci esta opinión (y ya van años) me ha dado mucho tiempo para reflexionar sobre ella y aunque al principio no me la creí mucho (echar una ojeada al telediario o a la historia parece ser suficiente razón para desengañarse de tal afirmación), con el tiempo he empezado a creerla totalmente, especialmente cuando visito un monumento, o simplemente camino por algunas calles como la Gran Vía, en las que te paras a pensar en la belleza absoluta de lo que estás contemplando, y te das cuenta de que la vida debería de ser como decía uno de los teóricos de aquella época (Vitrubio creo, pero no me hagáis demasiado caso) "Las figuras están ahí estaticas, como si dispusieran de todo su tiempo para contemplar la belleza que les rodea y los hermosos brocados de sus ropas", tal vez si la gente dispusiera de ese tiempo, de poder pararse a pensar en vez de ir veloces porque siempre hay que llegar a algún sitio, la vida y el mundo serían diferentes.

      Por tanto, ¿se puede mejorar a través del arte?, ¿nos lleva este a ser mejores?, ¿puede el estar rodeados de belleza crear un mundo mejor?, mi opinión finalmente es que sí (aunque suene un poco ingenuo), de hecho, quiero creer que si, tal y como creían los humanistas en el renacimiento y los que hay hoy en el s XXI; porque es bien sabido que la cultura abre horizontes y mejora a las personas, y por tanto, el arte, que forma parte de ese termino tan amplio que es "cultura" también ayuda a mejorarlo todo.

 

 

     Esta es la primera de mis adquisiciones para mi museo particular, que es por cierto una de mis esculturas preferidas, de la época barroca, y por tanto con características que a mi me encantan: expresión, teatralidad de la escena, movimiento, uso de la mitología... etc. Es así una obra llena de pasión, que sabe captar el momento más importante de la historia y a la vez más dificil de representar, la transformación de Dafne

     La escultura se llama Apolo y Dafne pues hace alusión a una leyenda de la mitología griega que es la siguiente:

     Apolo (dios de la música y de las artes) se encapricha (muy propio de todos los dioses griegos) de la ninfa Dafne y de su belleza, y por tanto decide hacerla suya (vamos, que quiere acostarse con ella) pero Dafne es una de las ninfas que acompañan a la diosa virgen Artemisa (diosa de la caza y de los partos -irónica atribución para una mujer que en teoría jamás ha copulado tan siquiera-) y por tanto cumple las mismas condiciones que la diosa, por lo que no está por la labor de entregarse a Apolo, al que además no ama.

     Pero la persistencia del dios, (claro, está acostumbrado a conseguir lo que quiere) es enorme, hasta el punto que decide forzarla, así que ella decide huir mientras él corre tras ella. Pero la ninfa empieza a ver como las distancias se acortan y está a punto de ser atrapada, así que pide a los dioses (este punto no está muy claro, si se lo pide a Artemisa o a Zeus) que impidan tal cosa, y así lo hacen, cuando Apolo está a punto de atraparla, de repente sus pies se transforman en raices, su cuerpo en tronco y sus bellos brazos se convierten en ramas recubiertas por hojas, finalmente se metamorfosea pues en un arbol laurel. Apolo admirado aunque triste por la perdida, decide que a partir de ese momento ese arbol quedará bajo su protección y quedará consagrado a su culto.

     La obra como digo es del magnifico Bernini quien con esta obra concluye los grupos Borghese, siendo iniciada en 1623, cuando Bernini ya no trabajaba en exclusiva para este cardenal y ya había accedido al solio el papa Urbano VIII Barberini, y finalizada en 1625.

     La obra se inspira en Las metamorfosis de Ovidio.

     En la actualidad se expone (a parte de en Universo de A, juejuejue) en la galería de los Uffici de Florencia (Italia)

      Esta nueva parte del universo de A (aunq algunos diran, basta ya de poner nuevas secciones y rellena alguna!!!!!!!!!!!, y lo peor es que lo dicen con toda la razón del mundo), supongo que aparece la pregunta, pero acaso de lo que hablas en secciones anteriores no es arte? y entonces pq creas la sección de turismo q sta antes? son totalmente iguales?, la respuesta a todo esto es que aunque musica, cine, literatura...etc se consideran artes, el concepto ha evolucionado mucho desde q aparecio el vocablo latino ars-artis (q culto me he puesto), y se ha pasado de entender el arte como el trivium y el quadrivium de la edad media, a la actualidad donde consideramos que el arte son las bellas artes, mas concretamente: arquitectura, escultura y pintura; a lo segundo responderé que aquí no hablare de lugares q visité, sino de obras de arte que me encantan, aunque solo las hubiera visto en una foto, de su significado... etc, bueno ya ireis viendo

      Quedan abiertas las puertas de este mi pequeño museo de Arte para todos  en donde encontrareis la colección de las obras más selectas elegidas por mi!(y la entrada es gratis!)